Activar el Patrimonio, Dinamizar el Territorio

La activación del Patrimonio Cultural es una estrategia enfocada a poner en valor los recursos culturales y naturales de un territorio y planificar los nuevos usos y servicios que se pueden desarrollar.

Cualquier proyecto que presente esta estrategia ha de tener una visión global e integral y ha de ser capaz de aglutinar las diferentes dimensiones presentes en el territorio: la educación, la cultura, la sociedad, la economía y el turismo.

En definitiva, la estrategia significa fomentar el patrimonio para que a través de su explotación se reporten beneficios a la comunidad que lo sustenta y apoye el desarrollo local.

La estrategia presenta un conjunto de objetivos estructurales sin los cuales es imposible desarrollarla y que deben ser reflexionados en la génesis de los proyectos. A grosso modo serían los siguientes:

• Herramienta de desarrollo económico, social y cultural del territorio.
• Medio para el estudio, conservación, sensibilización y difusión de los valores culturales del territorio.
• Dar a conocer el territorio más allá del propio entorno geográfico.
• Creación de una identidad cultural territorial.
• Fomentar el turismo cultural.
• Proponer un modelo de desarrollo sostenible.

La situación actual nos va a poner ante nuevos paradigmas en la gestión de los recursos culturales y naturales. Difícilmente se pueden plantear proyectos que no estén imbricados con su entorno geográfico más cercano, es decir, su territorio. La estrategia expuesta es un modelo pensado para ir más allá de acciones concretas y que nos obliga a trabajar con una visión global y transversal. Con más dificultades a corto plazo, pero más real, coherente y con más posibilidades de éxito en el futuro.

Espero que este post sea de vuestr@ interés.

Daniel Gutiérrez Espartero :: Consultor en Patrimoni Cultural
dgutierrez@diagnosiscultural.com :: Diagnosis Cultural

¿Cuáles son los profesionales y los proyectos que han marcado el desarrollo de la gestión cultural?

Justo el pasado día lunes (09/01/12) iniciábamos las actividades del Máster en Gestión de Instituciones y Empresas Culturales de la Universidad de Barcelona, con el que colaboramos desde hace unos años en la coordinación académica. Una sesión llena de entusiasmo y sobre todo de ideas interesantes para seguir repensando nuestro sector en estos tiempos tan particularmente complicados que hoy corren para todos. Y digo antes lleno de ideas interesantes fundamentalmente por la oportuna y sugerente intervención de Joan Oller, Director Gerente del Palau de la Música, que es lo que hoy nos anima a extendernos en este post. Entre su experiencia inagotable en el sector musical, y los estímulos que Joan compartía a los nuevos estudiantes al inicio del curso, nos hemos decidido a rescatar una idea que ha utilizado para cerrar su charla y que, con particular insistencia, nos ha estado dando muchas vueltas alrededor de la cabeza desde entonces.

 

La idea es también una pregunta: en la mayoría de las actividades profesionales existen ejemplos providenciales de su funcionamiento. Hitos o mitos que han marcado el desarrollo de dicha profesión y su sector y que de alguna forma han representado un paso adelante para la transformación y crecimiento de dicha actividad. Si dijésemos arquitectura, por ejemplo, podríamos mencionar a Mies van der Rohe y una numerosa estela de creadores que han contribuido al engrandecimiento de dicha disciplina con ideas y proyectos rompedores y vanguardistas. Si optáramos en cambio por la literatura habría muchos más, desde Cervantes hasta Joyce. Lo mismo ocurriría para la pintura, para el cine, para la tecnología o para muchas otras áreas de la ciencia. La pregunta aquí refiere entonces a lo que más nos concierne en el marco de este master, y de nuestras actividades dentro de esta casa: ¿Existen hitos (mitos) de este tipo en la gestión de la cultura?

 

Joan Oller nos regalaba cuatro, muy cercanos a su propia actividad, concretamente vinculados con la música y el espectáculo, pero sobre todo, nos regalaba, además de la invitación a esos gestores culturales en formación para que se atreviesen a imaginar propuestas que modifiquen las formas de ejercer su futura profesión, la posibilidad de nutrir esa lista, de engrosarla y pensar cuáles han sido aquellas propuestas visionarias, únicas, rompedoras o vitalmente oportunas que han hecho de la gestión de la cultura una profesión que responda a las necesidades y exigencias de su tiempo. ¿Seríamos capaces de engrosar esa lista?

Las propuestas de Oller son por demás interesantes y quizá puedan ayudarnos a hacerlo. Todas musicales, son, por sí mismas, grandes hitos de la gestión de la cultural.

En primer lugar nos propone a Johann Peter Salomon, prominente músico alemán que más que conocido por sus numerosas composiciones, es hoy día recordado como una referencia en la organización de conciertos. Quizá su epitafio hable por sí solo, algo así como: Johann Peter Salomon, el hombre que trajo a Haydn a Inglaterra. La historia es curiosa. La propia experiencia de Salomon radicando en Inglaterra y componiendo para la Royal Opera House abrió las puertas a su brillante idea. En 1790 Salomon se reunió nada menos que con W.A. Mozart y Joseph Haydn en Viena, su intención era proponerles una gira de conciertos de una temporada alrededor de Inglaterra. Ambos aceptaron aunque la gira de Mozart no llegaría a concretarse debido a su muerte repentina. El modelo de Salomon trasciende por lo que ha significado para la industria de la música, hasta antes de él nadie había establecido esta lógica de distribución itinerante que acercaba a los autores a otros públicos. Haydn confesó expresamente la forma en que había modificado su actividad, obteniendo mejores beneficios por componer para Salomon y sus giras que para sus anteriores beneficiarios. Sin dejar de lado las posibilidades que esto abría para su música, como la experiencia de presentar conciertos ante muy diferentes escenarios y públicos.

El segundo de los ejemplos va por esta misma vía. Se trata de Robert Newman, también empresario musical, en este caso nacido en Inglaterra. Newman es recordado por ser el fundador de las famosas series de conciertos (festivales) conocidos como The Proms. En 1893, cuando era el gerente principal del Queen´s Hall, tuvo la oportuna idea de ofrecer una serie de conciertos para una audiencia menos exclusiva. La iniciativa era abrir el aforo a un público más amplio en número y procedencia. Fue así como el Queen´s Hall designó un espacio posterior sin asientos para incluir un número mayor de espectadores de pie frente al escenario. Así nacieron los conocidos “promenade concerts”, que hoy representan uno de los saltos fundamentales de la apertura de la cultura al acceso de otros públicos.

La tercera de las referencias ofrecidas por Oller continúa su camino por el mundo del espectáculo. Aunque no es únicamente musical, aborda el tema de los públicos, las presentaciones y el acceso popular a la cultura. Se trata del empresario ruso Serguéi Diáguilev, famoso como el representante de los Ballets Rusos que arrasaron París y otras grandes plazas europeas a principios del siglo XX. Con una nómina de lo más atractiva, Diáguilev trabajó con bailarines de la talla de Anna Pávlova y Vátslav Nizhinski, o músicos como Ígor Stravinski, los Ballets Rusos se conviertieron en un hito durante la primera década de 1900´s. A pesar de que en sus últimos años los Ballets de Diáguilev fueron considerados como algo demasiado intelectual y estilizado, la época de mayor éxito de su compañía, junto al trabajo del director artístico León Bakst, estuvo marcada por una voluntad: construir una forma nueva de espectáculo, complicada pero con elementos vistosos y temáticas que consiguieran llamar la atención del público general y no sólo de la aristocracia. Su estilo tuvo un efecto irrenunciable en la época, que puede ser rastreado incluso en otros creadores como los pintores fauvistas y el entonces recién nacido estilo art déco.

Finalmente, Joan Oller aterriza en un ejemplo de mayor actualidad y que, independientemente de nuestra ideología, debemos reconocer como un gran hito cultural. Volvemos a la música: José Antonio Abreu fundó y dirigió la Orquesta Sinfónica Simón Bolívar así como la Orquesta Sinfónica Nacional Juvenil de Venezuela y la Fundación del Estado para el Sistema Nacional de Orquestas Infantiles y Juveniles del mismo país. Se trata de una red de orquestas infantiles, juveniles que involucra cerca de 250 mil jóvenes músicos. Estos utilizan la educación musical para el desarrollo comunitario, la integración social y la solidaridad. El sistema ha sido modelo para otros países de Latinoamérica y el Caribe y ha merecido reconocimientos nacionales e internacionales. Lo que Oller nos hace destacar de forma acertada en este ejemplo, sigue siendo el mismo gesto que en los ejemplos anteriores. Parafraseando a Joan podríamos decir que el modelo de Abreu ha generado un avance, un pequeño salto, una implementación que se lee a lo largo de los otros hitos apuntados, si en su momento la música era hecha desde una minoría para esa misma minoría, y posteriormente pasó a ser realizada y producida desde una minoría para una amplia mayoría; el modelo de las Orquestas Infantiles y Juveniles de Abreu ha permitido que la música sea hecha ya por una mayoría para las grandes mayorías.

Los ejemplos son acertados y la interrogante que los genera da mucho que pensar ¿Qué otras opciones podríamos sugerir a este respecto? ¿Hay hitos o mitos realmente poderosos y trascendentales en nuestro sector? ¿Cuáles pueden ser los grandes hitos de la gestión de la cultura? Nosotros nos atrevemos sólo a apuntar algunos que se nos ocurren ahora: ¿el libro de bolsillo lanzado por Penguin en 1935 que revolucionó la industria editorial?; ¿el modelo de Cirque du Soleil que ha conseguido tomar un concepto tradicional o incluso antiguo y convertirlo en un producto novedoso y actual?; ¿Mockus y sus muy particulares métodos pedagógicos y de uso de la cultural como motor de cambio y conciencia ciudadana?; ¿Pixar como una aparición determinante en el uso de la tecnología digital dentro del cine comercial?; o más cercanos a nuestros más recientes cambios de paradigma ¿Lessig y el oportuno diseño de la Creative Commons (siguiendo el copyleft de Stallman) como nueva forma de licenciamiento, gestión de los derechos de autoría y oferta compartida de bienes culturales? ¿Qué otros grandes hitos hay en la gestión de la cultura? ¿Podrías tú sugerir algunos para continuar ampliando nuestro listado?

[por Àngel Mestres | Trànsit Projectes]